时装之所以与其他类型的服装有所区别，主要是因其具有时效性。诚然，礼服、职业装和普通款式的衣服也会在风格上有所变化，但变化速度较为缓慢。进入20世纪，时尚圈每年推出秋冬和春夏两个系列，后来又发展出了季中系列和特色系列。印有设计师标志的香水和化妆品尤其畅销，商家也赚得盆满钵满。这一时期见证了顶级设计师生产模式的重大转变：从过去为每位客户手工定制高级女装（现在仍存在这种模式），到设计生产速度更快、价格更低的限量版副线服装和成衣。21世纪，手提包的销售提升了许多设计师、服装工作室和公司的赢利水平。到了2020年，全球时装产业不再以季节为主导，时装周和时装系列中长期存在的性别二元划分逐渐消失，取而代之的是单一性别模式的时装展示。

时装本身会过时，人们追求的是风格新颖而非实用，故而时装需要不断地更新换代，消费者和理论家们对此颇有微词。时装永远在变化，不能流芳百世，因此人们总是讽刺和谴责其受资本主义操纵，是资本家的阴谋，也是一种轻浮的美学艺术。早在1899年，托斯丹·凡勃伦（Thorstein Veblen）在《有闲阶级论》（The Theory of the Leisure Class）中就有过著名论述，强调时装带有“炫耀性消费”的成分。1900年，这一论述被用来形容奢侈服装，即使是一个多世纪后的今天，其仍然可以用来定义“噱头”服装——印上设计师标志来吸引顾客的服装。如今，人们对劳动力剥削、可持续发展和全球环境忧心忡忡，由此对通常只穿一两次的廉价的“快销时装”潮流产生了强烈反感。

越来越多的学者表示了对时装业的关注和认可，他们也愈加沉迷于研究其多学科和跨学科的意义。心理学家、人类学家、经济学家、哲学家、社会学家、博物馆馆长、剧院设计师以及服装历史学家为时装研究提供了新的文化维度，加之文化历史学家和符号学家也迅速参与其中，从小学到大学的各个教育阶段都新增了时装课程。时装艺术不像其他艺术那样有详尽的文献记录，其参考资料纷繁庞杂，可以分为理论、历史和物质三大方面。二战结束以来，印刷媒体、互联网和电视、古装片与大型时装展中出现了越来越多的时尚元素，人们受此影响，对个人形象日益关注，对当代和历史时装的兴趣愈加浓厚。历史时装对文化遗产复兴而言至关重要，如今已成为欧洲和北美文化生活的重要组成部分。

时装如此受欢迎，是因为人人都能参与其中：人们可以自由穿搭服饰品，在得到认可时欢欣自豪，在无人赏识时黯然神伤；而且无论专业与否，人人都可以自由发表评价。对时装的诠释不仅取决于客观事实，还取决于每个评论者的主观立场。在分析一组服装时，博物馆馆长、设计师、心理学家和经济史学家所强调的内容必然有所不同，涵盖服装史的方方面面、服装的设计内涵以及设计结构等。到了20世纪末，由于专家们的观点不同，时装学术论坛开始出现百家争鸣的局面。设计师们建立并完善了自己的网站，制作DVD宣传自己的设计系列和T台秀场，原来只有精英可以接触的时装界变得更加普及。21世纪的第一个十年，人们可以即时访问时尚博客作者或网络红人的网站，时装变得触手可及。2010年，图片分享和社交网络平台照片墙（Instagram）上线，其对于时装的普及和推广功不可没。

时装行业不断追求新鲜事物，加之在复杂的内部力量和外部需求驱使下，其运作速度飞快，故而传统设计师很少有时间停下脚步，记录有关自己的历史。他们每季的系列都零散出售，自己的工作室则销售样品，除了出版图册，很少会留档保存各个款式。但是，现在情况不同以往了，部分原因在于复古风格的兴起、“文化遗产”的营销潜力，并且设计师们也要收集证据以应对与日俱增的版权纠纷。例如，玛德琳·维奥内（Madeleine Vionnet）就识微见远，她非常细心地保留了自己作品的照片以及样品，从而成功地维护了自己的版权。老字号公司也开始珍视档案记录，它们在聘请新人为公司注入新鲜力量的同时，也会回首历史。与此同时，新一代的设计师们入行伊始就妥善保管自己的作品档案。这类公司还会从客户和新兴的时装拍卖行那里购得过去的时装，大量的时装专著和设计师传记也不吝笔墨，给人启示，但后者往往自夸自大，主张穷奢极侈。

博物馆渴望成为行业先锋并增加访客流量，它们也利用时尚的流行特点——甚至那些以战争和美术为主题的展览机构也会举办大型时装展览。同样，许多制造商也开始追求时尚，它们意识到时尚在各种商品营销中的潜力。专注于单一领域的杂志，包括室内设计甚至园艺杂志，也开始涉猎时装领域。

时装是个人和群体身份的主要标志，时装的变化可以反映社会环境的变迁。因此在20世纪早期，时装揭示了严格的阶级划分和礼仪规范。60年之后，时装展示的是社会等级制度的崩塌，年轻人有了一片新天地。现在，时装高度政治化并涉及一些重要问题，例如LGBTQI（性少数者）群体的权利、黑人人权运动、文化多样性和移民问题等。随着时间的推移，金字塔尖的高级时装已经演变出了一种“随心所欲”的风格，在这种趋势下，消费者将高端设计师品牌的服装和民族历史“遗产”（尽管在21世纪10年代后者被称为“文化挪用”）相提并论，并且也越来越多地将其与高街廉价服装进行比较。青年亚文化群体在服饰方面独出心裁，形成了与主流市场截然不同的独特风格，但显得有些讽刺的是，青年亚文化的出现对国际T台秀场的影响颇深。信息时代，互联网发展迅速，时尚动态对用户而言触手可及，亚文化的影响力是否真的局限于某个特定群体，还不确定。

自1900年以来，世界快速发展，通信业、旅游业和制造业都发生了翻天覆地的变化，本书《百年时尚》旨在揭示国际时尚在此期间的演变。20世纪初的巴黎高级定制时装曲高和寡，到了21世纪，得益于互联网的普及，全球时尚信息触手可及。19世纪，时装界取得了一系列成就，尤其是查尔斯·弗莱德里克·沃斯（Charles Frederic Worth）的成就最为突出，在此基础上，巴黎顶级设计师们获得了1868年成立且影响力巨大的时装联合会的支持，巩固了他们在时尚界的地位。20世纪下半期，设计师们又成功捍卫了巴黎作为高级时装之都的地位。尽管对手实力强劲，巴黎却不畏挑战，始终是时尚界的中坚力量。而在美国、意大利、英国、日本，以及后来的印度、中国和非洲国家，时尚也经历了一次次考验，客观地体现了各国民族特征与国际形象之间的相互影响。1999年，媒体创造出“全球时尚”的标语，预测即将出现真正的全球性产业。这个词语言简意赅地捕捉到了时尚的多元文化魅力，暗示着21世纪全球时尚的复杂多变，以及时尚将从设计和产品本身转移到风格的多样性融合上。

虽然本书的叙述方法多样，但仍然会按照时间顺序来探究时尚的演变与发展，内容集中在1900年以来时尚发展中的重要事件。本书关注国际性大事件，突出各个时期先锋设计师的作品以及时尚演变趋势，结合当时的社会经济、政治、技术和文化环境，阐述了一些激动人心，甚至具有革命性的时尚发展历程。但本书不会刻板地按照年份顺序介绍时尚的演变，一些章节将围绕着风格的重大变化和全球性大事件而展开论述。

本书结构紧凑，几乎不涉及详细分析和专题研究，但提供了进一步研究的途径，且参考书众多，均能为本书提供文献支撑。此外，本书介绍了包括时装和配饰设计师在内的著名设计师的主要成就，概述了时尚中心的重要地位，也论及一些名气不大的小众设计师的作品。书中以图片形式展示了大规模生产服饰的意义和亚文化风格，并讨论二者与高级时装之间的关系。所有设计师都印证了面料是时装作品的基础，因此本书还会探讨在整个20世纪，制作高级时装的独特面料和纺织科学家发明的合成面料。

本书全面地介绍了20世纪以来的时尚发展，旨在促进某一领域更深层次的耕耘，以探索无限可能。

本书于2020年更新再版，此时正逢新冠疫情，疫情给全球经济造成了严重破坏。灾难当前，全球时尚也不可避免地受到波及。疫情对时尚界的影响才刚刚得以体现，今后的时尚将何去何从，尚未可知。